Kafkaffè, Madreperla, Ali Virtuali

Die eigene Produktion von Riccardo Tesi segelte im Herbst lange im Aufmerksamkeitsschatten seiner Zusammenarbeit mit den anderen 4 «Samurai». Ende 2011 schaffte es das Album dann doch noch in die Playlisten und Programme der Weltmusik-RedaktorInnen. Und dort gehört es auch hin, denn was der Akkordeonist und seine Kollegen hier vorlegen ist tief in der Folk- und Songwriter-Welt verwurzelt, gleichzeitig aber so virtuos welt- und stiloffen, dass Genre-Schubladen gesprengt werden.

Gitarrist Maurizio Geri hat einige Songs in bester Cantautori-Tradition geschrieben. Dabei in den Arrangements aber immer genügend Freiraum offen gelassen, dass sich Akkordeonist Tesi und Saxofonist Carboni nie eingeengt fühlen müssen. Und die Instrumentalnummern, angelegt als harmonische wie rhythmische Schelmenstücke, werden von Perkussionist Biolcati bestens zusammen gehalten. Was beim ersten Hören als Liederalbum daher kommt, öffnet sich bei jeder Wiederholung weiter. Es ist, als sei man in einem italienischen Hafen zuhause, und reise immer wieder hinaus, z.B. in arabische oder nordische Länder. Und kaum ist man draussen kommt das Heimweh.

Ein Album das von der Spannung zwischen hohem handwerklichen Können, harmonischer Entdeckerfreude und einer gehörigen Portion Spielwitz lebt.

Rating: ★★★★☆ 

 L’étourderie, Mars Is No Fun, Ilo Veyou

Auf den Vorgänger-Alben «Music Hole» (2008), und noch mehr auf «Le Fil» (2005), setzte die eigenwillige Französin auf dicht gewobene a capella Soundcollagen und Bodypercussion. Stimme wurde lautmalerisch perkussiv eingesetzt ohne in Beatbox-Manier zu verfallen, Sprache ist Klangfarbe. Das aktuelle Album führt Camille wieder dorthin zurück, wo sie herkommt – in die Harmoniemalerei, in Melodien die gleichzeitig durchkomponiert und improvisiert tönen.

Die Hälfte der Songs sind Duette. Die Stimme von Camille und die Gitarre von Clément Ducol, und die Luft, der Raum dazwischen. Die andere Hälfte wurde mit einem Streichquartett eingespielt. Auch hier ist die Handschrift von Ducol, dem gelernten Cellisten, Pianisten und Perkussionisten klar, spielerisch und nie beengend. Camille singt oft mit einer zarten, zerbrechlichen Jungmädchenstimme, kippt dazwischen aber unvermittelt in die Klangfarben einer Bluessängerin oder einer Edith Piaf. Es sind paradoxe Lieder: äusserst zarte, fragile Melodien, die sich um eine zähe, biegsame Grund-Idee winden. Und bevor der Melodie der Atem ausgeht setzt die Sängerin auf die Stille als Duettpartnerin.

Camille setzt konsequent auf ihre Stimme. Von sphärisch bis locker-lässig-popig, und immer selbstsicher.

Rating: ★★★★☆ 

Zemi me zemi, Oj ti momče ohrigjanče, Marjio deli bela kumrijo

Sevdah, die melancholischen, sehsüchtigen Melodien aus dem Balkan sind das Liederbuch der Amira Medunjanin. Mit jeder Produktion verleiht sie den traditionellen Melodien aus Serbien, Bosnien, dem Kosovo oder der Republik Mazedonien ein neues musikalisches Kleid. Auf ihrem Erstling «Amira» begleiteten sie die Musiker der Mostar Sevdah Reunion. Der Zweitling «Zumra» führte sie auf klangexperimentelle Wege mit der Akkordeonistin Merima Ključo. Für die aktuelle Produktion wählte sie ein Jazztrio mit Gästen.

Für Arrangeur und Pianist Bojan Z gehörten die Melodien der Balkanregion zur Grundnahrung, Hausmusik wurde gross geschrieben. Später dann Klassik und Jazz, und jetzt wieder die „alten“ Melodien, aber eben in welt-jazzigen Arrangements. Amira und Bojan greifen nicht in die Melodien ein, verändern die Zwischenspiele, die Umrahmungen. In den Piano-Soli dürfen die Strukturen aufbrechen. Bass, Perkussion und Piano finden immer wieder rechtzeitig zusammen, um die Sängerin in die nächste Strophe zu begleiten. Und Amira glänzt dort am besten, wo sie ihre Stimme nicht forciert, keine übertriebene Gefühlsdichte in die Melodien hineinlegt, nur einfach singt.

Die Interpretationen von Amira und Bojan befreien diese Lieder von jeglichem geografischen oder historischen Ballast und machen daraus Melodien, die nur sich selber genügen – und das schaffen sie wunderbar.

Rating: ★★★★☆ 

Will soon be a woman, Never serious, Beirut

Dreissig Jahre alt, hochdekoriert, und immer auf der Suche nach dem persönlichen Ton – das wäre in Kürze eine Beschreibung des Trompeters Maalouf. Als Flüchtling kam er vom Libanon nach Frankreich. Aber er war schon vorher ein Weltenbürger, denn bereits als Neunjähriger begleitete er als Duett-Partner seinen Vater, ebenfalls Trompeter, auf dessen Konzerttourneen. Wenn Maalouf nicht selber auf der Bühne steht, unterrichte er am Konservatorium, oder wird ins Studio eingeladen. Lhasa, Vanessa Paradis, Yom, Sting, Vincent Delerm, Smadj: die Liste der Musiker, für die Maalouf im Studio oder als Bandmitglied arbeitete, ist lang – und sprengt alle Genre-Grenzen.

So auch auf dieser CD: Da mischen sich Klezmertöne mit chinesischen Melodiebögen, Balkan-Brassgrooves mit R&B-Gitarrenriffs, lyrische Klänge treffen auf Heavy Metal Arrangements – und alles in Cinemascope. Arabische Viertelton-Melodien auf der Trompete? Kein Problem, sein Vater hat eine Trompete konstruiert die eine solche Technik ermöglicht. Und zwischendurch eine klassische Etude auf dem Piano – alles ist da. Und das ist vielleicht der Wermutstropfen: weil alles in allem aufgeht, bleibt wenig haften. Ausser der Gesamteindruck. Diese Musik will nicht definiert werden, ist einfach Musik, Klangbild.

Maalouf spielt mit den Musikstilen wie mit einem Kaleidoskop: überraschende Kombinationen, ungehört, frech, kontrastierend. Und wenn man sich gerade eingehört hat – schwupps, ein neues Muster, ein neues Bild.

Rating: ★★★★☆ 

Scétate, Malakoff, Pharizm

Es ist in den letzten Jahren etwas stiller um die Gypsy-Jazz-Weltenwanderer-Band geworden. Nicht weil ihnen die Ideen ausgegangen sind, Orpheus bewahre. Aber sie sind zur Zeit ebenfalls in einem Poesie-Musik-Projekt engagiert: «Orient mon Amour» mit irakischen Gedichten und Musikern von Armenien bis in den Magreb. Bratsch haben nun mit ihrem aktuellen Album nicht gerade ein Konzeptalbum eingespielt, aber die Songs um ein Grossthema gruppiert: Erlebnisse aus dem Leben in den Städten, oder Reiseerinnerungen aus Grossstädten.

Die Grundzutaten sind – wie in jeder Küche mit Renommee – dieselben geblieben: Gypsy-Swing, Balkantakte, Chanson, Klezmermelodien und die Freiheiten der Improvisation. Doch dann schleichen sich neue Töne ein: Hier ein Sprechgesang, ansprechend gegen die Oberschicht-Ratten, und gleichzeitig ein Aufruf zur Selbstbestimmung. Eine Brechtanleihe: Die Seeräuberjenny singt als alte Frau. Eine bulgarische Melodie verirrt sich in eine kleine Vorstadtgasse, eine neapolitanische Serenade, eine Verbeugung vor zwei pfeifenden Grossonkeln, das Wuseln von Mensch und Verkehr in New Yorks Gassen am Morgen früh, eine Liebeslied aus Burkina Faso – ein musikalisches Kaleidoskop.

Bratsch sind Poeten und klang-malen ihre Lieder. Nichts für Schnell-Anhörer – diese Lieder öffnen sich nur durch mehrmaliges Hinhören.

Rating: ★★★★☆ 

Jodulator 3000, Alpine Muineira & Matavenero, Mei Vota is a Weber

Die Vier, die sich als Hotel verkleiden und keines sind, legen mit «Jodulator»  ihre 4 CD vor. Aber das sagt ja kaum was. Ausser, dass sie schon einige Jährchen zusammen musizieren. Dann das etwas wuchernde  Instrumentarium: Klarinette, Dudelsäcke, Maultrommeln, Mandola, E-Bass, Saxophon, Geige, Drehleier, Nyckelharpa – und dazu wird gesungen und gejodelt. Nun ist den modernen Alpenmusikanten die Starre und Engheit der verwalteten Volksmusik schon seit langem Grund für Unerhörtes. Und dort beginnt das Abenteuer.

Wenn Roboter jodeln oder Joseph Haydn eins auf’s Maul getrommelt kriegt, wenn Pop-Klassiker mit einem schottischen Tanz verbandelt werden, wenn Mittelalter auf Gegenwart trifft, dann ist es den Musikern am wohlsten. Nur ja nichts unversucht lassen! Zum Stärksten auf diesem Album gehören die Jodel-Nummern, die mal der Tradition entfremdet werden (Juutz & Rongger, Dance the Steirer), oder in die Zukunft zeigen (Jodulator 3000). An Virtuosität mangelt es den Vier ganz sicher nicht, auch nicht an erfrischender Frechheit. Warum bin ich dann nicht restlos begeistert? Weil nicht durchgehend und konsequent mit den alten Songstrukturen gebrochen wurde?

Für jene, welche die Scheuklappen in Sachen Tradition und Folkmusik schon längst weggelegt haben, ist diese CD eine Frischzellenkur – und für die Anderen wäre dieses Album ein spassiger Weg zur Horizonterweiterung.

Rating: ★★★★☆ 

Lale Lale, Anchi Bale Game, Demamaye

Hinter dem Projekt steht Raphaël Anker. Als Ende des letzten Jahrhunderts die Aufnahmen der wichtigsten Labels der Blütezeit der äthiopischen Soul- und Jazz-Aera in der Serie «Les Ethiopiques» auch in Europa erschienen, trafen sie beim jungen Genfer Trompeter auf offene Ohren. Seine Mitstreiter stammen aus ganz unterschiedlichen musikalischen Schulen, treffen sich aber auf den hypnotischen Beats und in jazziger Improvisation. Mulatu Astatke oder Gétatchèw Mèkurya standen wohl Pate beim Finden des Bandsounds.

Die Nummern sind alle dem äthiopischen Liederbuch entnommen. Ehemalige Hits von Grössen wie Mahmoud Ahmed oder Martha Ashagani erleben als Instrumental-Versionen einen neuen Frühling. Nur gerade eine Nummer wird mit der Stimme von Bethelem Dagnachew verziert. Die Songs entwickeln ihren Zauber erst bei mehrmaligem Anhören. Die Aufnahmen versuchen die Schubkraft der Live-Konzerte der Truppe auf Silberling zu bannen, was nicht immer der Fall ist.  Und trotzdem so gut ankommt, dass das renommierte Fachblatt «fRoots» die Scheibe in ihre Bestenliste des Monats Juni 2011 aufnahm!

Die Scheibe ist gut – aber die Live-Konzerte legen da noch einen kräftigen Zacken zu. Unbedingt auf der Bühne erleben, z.B. am Pod’Ring Festival in Biel.

Rating: ★★★½☆ 

Highway to Constantinople, Saving The World Is Easy, With Love

Die dritte Produktion des Klezmer-Klarinettisten ist eine Achterbahnfahrt, die gleich mal mit den lautesten Tönen des gesamten Albums losdonnert – «Picnic in Tchernobyl», das darf nicht leise sei. Und er gesteht mit diesem Album auch seine Liebe zu den Superhelden der Action- und Marvel-Generation, allen voran zu Superman. Wünscht sich, dass eine Melodie manchmal wie eine Superkraft wirken, alles wieder gerade biegen könnte.. Seine Melodien wirken aber viel öfter mit dem Charme eines Zorro – auch nicht schlecht!

Neben den rockigen Tönen baut Yom Songs, die wie Filmsoundtracks wirken. Aus einem Titel wie «Saving The World Is Easy», einer schmelzenden Melodie, und Synthesizerklängen wie aus einem alten Lelouch-Film entwickelt sich eine Liebesszene mit Weichzeichner-Effekt. Auch andere Songs tragen Titel, die sich deutlich auf Filme beziehen: «With Love», für einmal ohne «from Russia», und «Once upon a time», egal wo. Das Trio der Wunderrabbiner trägt den Klezmerkönig durch Wind, Zorn und Sturm und verschafft ihm in nachdenklichen Momenten oder beim Besuch seiner Herzdame die nötige Abgeschiedenheit.

Yom erzählt mit seiner Klarinette Geschichten aus Soundlandschaften die jeder kennt, aber niemand betreten kann. Ausser vielleicht im Traum.

Rating: ★★★★☆ 

Da tè à mè, Le Lac, Gloria

Sie kommen aus unterschiedlichen musikalischen Welten, sind aber alles ausgewiesene Teamplayer, und liessen dieses Projekt über die Jahre reifen. Liest man die jeweiligen Biografien, so tauchen bei allen sämtliche Genre-Beschreibungen auf, von Klassik bis Traditional, von Weltmusik über Tango bis Jazz. Paolo Fresu und Daniele di Bonaventura werden eher dem Jazz zugeordnet, und A Filetta haben den Begriff der korsischen Polyphonie schon längst in sämtliche Richtungen ausgeweitet.

Mehrheitlich stehen die Stimmen im Vordergrund. Trompete und Bandoneon umgarnen den Chor, ziehen ihn mal bis fast in skat-artige Rhythmen, legen ihm Klangteppiche aus Minimal-Music-Elementen oder zeichnen fast barocke Verzierungen. Wer dieses Programm einmal live gesehen hat weiss, wie aufmerksam die Musiker auf einander eingehen, einander folgen. Auch wenn die Musik voll durchkomponiert ist, hat es genügend offene Räume in denen zuhören, spielen und improvisieren angesagt sind. Um diese intime und klangreiche Musik einzufangen brauchte es eine Klangphilosophie, wie sie das Label ECM von Manfred Eicher seit Jahrzehnten in höchster Präzision pflegt.

Die Lieder sind Erzählung und Erinnerung, Ahnung und Legende, entstanden an den Küsten des Mittelmeers. Sie erzählen in schwebenden Bildern vom Entstehen und Vergehen. Mal rollt leise das Meer ans Ufer, mal tönen hoffnungsvolle und gläubige Chöre aus einer nahen Kirche, dann wieder nur Melancholie und Sehnsucht.

Live zu erleben am Freitag, 6.5.2011 in der Pfarrkirche Peter und Paul im Rahmen der Stanser Musiktage!

Rating: ★★★★★ 

Sobri, Elindultam, Dunáról

Balogh ist der unbestrittene Meister des Zymbals. Dass er in Ungarn aufwuchs mag vielleicht ein Grund sein, wieso sich in seiner Musik die Genregrenzen auflösen. Schliesslich haben sich klassische Komponisten wie Liszt, Brahms oder Bartok schon in verschiedenen Zeitepochen von den ungarischen Tänzen und Melodien inspirieren lassen. Umgekehrt führen auch heute Gypsy-Truppen klassische Kompositionen in ihrem Repertoire. So gesehen ist es nur logisch, dass Balogh seine Musik in jazzige Strukturen verlängert.

Die Gipsy Cimbalom Band von Balogh ist ein unglaublich vielklingender Klangkörper. Die Lieder und Instrumentalnummern sind nicht einfach “aus Volksmelodie mach Jazz” Arrangements. Sie leben gleichzeitig in beiden Welten. Balogh holt sich seine Rhythmen und Harmonien aus der gesamten Balkanregion, und verknüpft sie mit Arrangements aus verschiedenen Jazz-Epochen. Da ist französischer Swing drin, amerikanische Arrangement-Ideen zwischen Swing und Bebop, oder Ethno-Jazz wie er in Skandinavien gepflegt wird. Balogh hat diverse SängerInnen eingeladen, die ihrerseits die Klangfülle noch weiter ausdehnen. Ein überraschender  Klangspaziergang.

Mal träumerisch-erzählend, mal groovig und rhythmisch vertrackt ist dieses Album ein Grenzgänger zwischen Tradition und Jazz.

Rating: ★★★★☆